Ina Zeuch

Kunsttherapie in Dakar - ein Besuch im Hopital Fann

2012-01-26T00:10:00.001+01:00

Ina Zeuch: "Fannvisit"

Die psychiatrische Abteilung des Hospital Fann beherbergt einen kleinen Werkraum für Kunsttherapie, der seit 1999 von Professor Allassane Seck geleitet wird. Er hat sowohl Kunst an der Ecole des Beaux Arts in Dakar studiert als auch eine Ausbildung zur Kunsttherapie in der Psychiatrie Saint Anne in Paris absolviert. Als er einmal einen Freund im Hospital Fann besuchte, stellte er fest, dass die Mauern des Krankenhausgeländes voller Graffitis und Tags war, die ihn vom kreativen Potential der psychisch Kranken überzeugte.

Das brachte ihn dazu, sein erstes Projekt mit Psychiatriepatienten durchzuführen. Dort hörte er von ausländischen, teils aus Europa stammenden Praktikanten, die ein Atelier für künstlerische Kreativiät initiiert hatten, aber mit deren Rückkehr in ihre Heimatländer waren diese Aktivitäten eingeschlafen. Es lag nahe, Professor Seck zu fragen, ob er diese Initiative wiederbeleben wollte. 2005 ging er abermals für 2 Jahre ins Ausland, um sich weiter fortzubilden, diesmal in Gugging / Österreich, einer berühmten Residenz für psychsich kranke Künstler, die bereits auf internationalen Kunstmärkten ausstellen.


Ein Blick ins Atelier d'Expression

Das Atelier d'Expression im hinteren Teil der psychiatrischen Abteilung ist ein kleiner vollgestopfter Raum, der vor kreativer Aktivität nur so strotzt. Die Patienten, die das Atelier aufsuchen, kommen freiwillig. Drei Mal in der Woche von 10 bis 12 Uhr und nachmittags von 16 bis 18 Uhr gibt es die Möglichkeit, dort betreut und angeleitet zu malen, zu plastizieren oder einfach nur da zu sein. Neben Professor Seck betreut auch der freischaffende Künstler Abdoulaye Armin Kane die Patienten dort - ehrenamtlich. So wie es überhaupt viel Unterstützung von außerhalb der Klinik gibt.

Denn das einmal jährlich ausgezahlte Budget der Klinikleitung für das Atelier reicht bei weitem nicht aus - weder für das Material noch für die vielfältigen Aktivitäten, die das Atelier über die Grenzen des Hospitals bekannt machen sollen. Dazu gehört seit 2002 zum Beipiel die Beteiligung an der Off-Biennale Dakar, dem nicht offiziellen, aber ungefähr genauso spannenden Teil der Biennale, deren Ausstellungsorte während des einmonatigen Kunstevents im Mai/Juni über die ganze Stadt verteilt sind. Auch an anderen an Ausstellungen im Senegal nimmt das Atelier d'Expressions regelmäßig teil.

Eine ganze Reihe bekannter Künstler haben eine Zeit in der Psychiatrie des Hopitals Fann verbracht, vor allem Rapper, denn Dakar ist eine Hochburg des RAP. Zusammen mit anderen ehemaligen Patienten haben sie 2008 das RESCAP'ART gegründet, eine Assoziation zur Unterstützung aller Aktivitäten des Ateliers - ob nun durch Materialspenden, ehrenamtliche Arbeit oder direkte finanzielle Unterstützung (Reseau Elargi pour une Solidarité Cutlurelle Agissante Par l'Art ).

Typische Szene eines 'lutte sénégalise', dem senegalesischen Ringersport

Die Stimmung im Atelier ist locker: Patienten kommen und fangen ein Bild zu malen an oder führen bereits angefangene Werke fort. Einige sind sehr konzentriert, andere kommen, um zu reden. Ein ehemaliger Patient kocht den berühmten senegalesischen Tee, der lange aufgekocht und dann von einem Gläschen in ein anderes hin-und hergeschüttet wird bis eine Schaumkrone entsteht. Getrunken wird er stark gesüßt und schwarz wie Kaffee. Liebevoll reicht er den Tee reihum an jeden der Anwesenden. Er selbst war ebenfalls einmal Rapper, aber er hat den "Pfad der Härte" verlassen und komponiert jetzt Chansons zu akkustischer Gitarre.

Aus dem Laptop von Professor Seck erklingt RAP, und ein gerade veröffentlichter Videoclip läuft dazu. Er erzählt mir, dass er immer wieder Kontakt zu Ehemaligen hat und wie sehr diese ihren Aufenthalt in der Psychiatrie schätzen. Einige halten diese Zeit für die wichtigste ihres Lebens und wie man von einigen Lebensläufen bekannter Künstler weiß, führen Krisen oft zu einer Lebenswende hin zu einem künstlerischen Werdegang.

Professor Seck spricht weniger, als dass er zuhört. Unaufdringlich assistiert er bei der Materialsuche oder stellt Fragen zu Bildmotiven, wenn das Malen ins Stocken gerät. Die Patienten fühlen sich wohl bei ihm. Durch seine professionelle Haltung hindurch spürt man, dass er diesen Beruf gewählt hat, weil es ihm um die Menschen geht. Einige der Patienten kommen aus anderen afrikanischen Ländern. Psychotherapie ist auf dem ganzen Kontinent selten, und die Not ist groß. Wer kann, nimmt weite Reisen auf sich, wenn er von Spezialisten erfährt, von denen man sich Heilung erhofft. Trotzdem wissen viele im Senegal - vor allem psychisch Kranke und ihre Angehörigen - wenig oder gar nichts von den vorhandenen therapeutischen Möglichkeiten. Oft werden die ohnehin verstörten Menschen still und leise aus den familiären Kreisen ausgeschlossen. Und ihre Scham unterstützt diesen Prozess der Exklusion noch - bis sie auf der Straße landen.

Ina Zeuch: "Dog/Man", Öl auf Hartfaser

Einige der Kranken trifft man in den besten Geschäftsvierteln der Stadt an - oder wie es hier lapidar heißt "en ville"- wo sie noch nicht einmal betteln. Sie liegen ausgestreckt auf dem Bürgersteig, entrückt und fast nackt oder laufen manisch und in Selbstgesprächen gefangen herum. Keiner verfolgt sie und sie werden nicht - wie bei uns - automstisch eingewiesen. Denn eine Versorgung von psychisch Kranken muss privat finanziert werden. Angehörige, die dies tatsächlich auf sich nehmen, tragen hohe Kosten. Wer das tut, dem muss der Kranke wirklich sehr am Herzen liegen. Adama, den ich beim Ausgang zusammen mit seinem Bruder treffe, ist ein solcher Angehöriger. Sein Bruder ist seit 10 Jahren hier in der Psychiatrie von Fann. Die Ausgaben dafür sind erheblich, aber wie er mir sagt, er kann seinen jüngeren Bruder nicht aufgeben. "Ich werde ihn niemals alleine lassen".


Blick ins Atelier d'Expression

Alle nicht gekennzeichneten Bilder sind von Patienten der Psychiatrie des Hopital Fann.

Roaming the City: Graffitis aus Dakar und Banlieue (2)

2012-01-05T04:54:00.003+01:00


in Pikine (Banlieue von Dakar)

Car Rapides weisen regelmäßig religiöse Motive auf

ein Kämpfer des lutte sénégalaise, der aus diesem Viertel kommt

Fotos: Uwe Kerkow und Ina Zeuch

Roaming the City (1): Graffiti aus Dakar und Banlieue

2011-12-23T14:42:00.121+01:00

an der Universität Cheikh Anta Diop

Graffitis sind nicht unbedingt Kunst und gehorcht anderen Gesetzen als denen bourgoiser Kunstbetrachtung im White Cube. Der streunende Blick muss gefesselt werden, ein müder, oft genervter Blick aus vollgestopften Bussen, Mofas und PKWs heraus. Der tägliche Verkehrstau - Menschen, die rein wollen ins Zentrum oder raus - ist die Chance für die Künstler der Graffitis, die man im Stop-and-Go oft genug förmlich abfährt wie eine Kamarafahrt. Großflächig, oft grob und plakativ, aber zuweilen auch erstaunlich differenziert und ausgearbeitet stelle ich hier die erste der geplanten mehrteiligen Serie dieser Kunst vom Volk fürs Volk vor, die einen für die mangelnde Galerienszene in Dakar ausreichend entschädigt.

Fotos von Uwe Kerkow und Ina Zeuch

auf dem Weg nach Pikine, der größten Banlieue von Dakar

in the middle of nowhwere


NH3 nennt sich die 9-köpfige Graffiti-Gruppe, die dieses markante Motiv über die Stadt streut

an der Uni


am Centre Culturel in Pikine

am Centre Culturel in Pikine

"Xenophobia" Art show in "Art on Armitage", Chicago

2011-09-03T09:53:00.037+02:00

The German artist Ina Zeuch shows three larger-than-live-paintings of persons who are hidden behind a primitive ape mask. Imprisoned and not visible in their unique individuality they are frozen in different postures. They react ironical, ignorant or aggressive. Growing xenophobia in the Western world – manifest once more in the terrible Norwegian massacre of July - inspired the artist. She performs with the ape mask herself and photographed all her friends and coincidental acquaintances with it too.

Out of more than 100 photos she selected 3 for the exhibited paintings. Her elaborate mosaic technique allows her to transport the paintings easily and provides great mobility for exhibiting them. From Chicago the works will travel to an art show in Dakar, Senegal in November this year.

http://artonarmitage.com

Rassismus und Identität - Hari Kunzrus Roman "Die Wandlungen des Pran Nath"

2011-07-13T19:35:00.015+02:00

In den Wandlungen des Pran Nath werden brilliant alle Spielarten des Rassismus in Hari Kunzru's gleichnamigen Roman dekliniert. Pran Nath wächst zunächst als Angloinder in einem reichen, vermutlich brahmanischen Haushalt in Agra auf - ein verwöhntes Söhnchen, dessen ungeklärte Vaterschaft nur seiner Mutter und der Dienerschaft bekannt ist. Sein Vater Pandit Razdan ist ein berühmter Strafverteidiger, pedantisch und reaktionär, mit einem Hang zum Rassismus - nur dass dieser sich diffus gegen die eigenen Leute wendet, gekleidet in eine allgemeine Weltverachtung, die zunehmend mehr in asketischen Ekel umschlägt. Trotz aller Reinlichkeitsrituale und Kontaktverweigerung wird er von der Spanischen Grippe dahingerafft und noch in derselben Nacht wird Pran Nath - das schikanierte, verhasste Bastardgezücht - an die Luft gesetzt.

Ein tiefer Sturz, der tiefste in seiner Laufbahn, aber nicht der letzte. Von da an nimmt die Handlung rasant an Fahrt auf. Zunächst wird Pran Nath zu Rukshana, einer Hijra für einen britischen Major - knabenhaft hübsch und begehrt hellhäutig, eine Goldgrube. Hari Kunzru hängt daran die ganze übelriechende Dekadenz des British Empire auf, die symbiotisch mit dem indischen Maharadscha in Agra verbandelt ist. Während sich Moslems und Hindus zum ersten Mal im Punjab erheben und das britische Militär seinen blutigen Job erledigt, verlieren sich indische und englische Machtkreise in Intrigen, Drogen und Langeweile. Pran Nath alias Rukhsana, wie er als Hijra heißt, kann während einer unsäglich verworrenen Tigerjagd fliehen, in der halbbetäubte Großkatzen vor die britischen Flinten gezerrt werden.

Er wird von einem irischen Missionarsehepaar aufgenommen, das sich immer tiefer entfremdet. Reverend Mcfarlane wird sein Lehrer und mit ihm saugt er in seiner Wißbegier auch die rassistischen Inhalte auf: die kranologische Rassentheorie und den Abscheu gegenüber dem Hinduismus. Seine Frau hingegen driftet in die Theosophie ab und sympathisiert mit ersten Formierungen der politischen Unabhängigkeitsbewegung, die sich herauszukristallisieren beginnt. Aber das ist für 'pretty Bobby' wie er von seinen Zieheltern genannt wird, kein echtes Identitätsangebot.

"Man kann sich entschließen, die Selbstbeobachtung zu meiden. Wenn Bobby sich für andere unsichtbar macht, indem er die Erscheinung wechselt, den Namen ändert und seine Motive verborgen hält, so tut er es sich gegenüber nicht weniger. ... Bobby ist also ein Geschöpf der Außenfläche.... Vielleicht sollten ihn alle Leute, die ihn nicht richtig kennen ...akzeptieren, dass Bobbys Haut keine Grenze zwischen etwas ist, sondern die Sache selbst, eine Projektionsfläche... Dennoch, während sich Bobby eine Marionette baut und bewohnt, begreift er, dass an englischen Menschen etwas Wunderbares ist. Ihr Leben ist fest und sicher, nach Entwürfen der Klasse und Mitgliedschaft erbaut, die in ihrer Unveränderlichkeit, ihrer eisernen Unbeweglichkeit geradezu edel sind. ...Englische Leben, siegreich und funtkionell. Leben für den industriellen Gebrauch."

Bobby simuliert lieber radebrechend den Engländer, stümpert zunächst, wird immer besser - ein unsystematisches Lernen, denn eine Wissenschaft in verleugnender Anpassung gibt es noch nicht. Ein Zufall führt ihn mit femden Pass nach England. Wieder schlüpft er in eine andere Identität und lebt in einer fremden Haut. Jetzt darf das Improvisieren nicht mehr auffallen. Bobby wird zu Johnny und englisch bis zum Erbrechen. Öde Highschoolrituale, Initiationen der Anpassung machen ihn zu dem, was er anstrebt: Er wird nicht nur very british, sondern obendrein ein Langweiler, ein Feigling, ein Streber. Nicht umsonst scheint die Geschichte trotz einer unglücklichen Liebe hier zähflüssig zu werden, ja fast zu stagnieren.

Denn ist Anpassung selbst nicht auch langatmig und mühselig? Zwingt sie einem nicht die undurchsichtigen Spiele der Erwachsenen auf, von denen man nicht weiß, ob man - wenn man sie denn alle brav bis zu Ende gespielt hat - auch das bekommt, was man haben will? Zum Beispiel die englischste Frau der Welt? Oder den Eintritt in die Kreise, die nach Zukunft riechen, dort wo man sich in Privilegien einrichten und das begehrte westliche Leben führen kann? Pran-Rukhsana-Bobby-Johnny verliert nur selten seine innere Anspannung, er fährt auf einem fremden Ticket in einem Land, von dem er vorher nur die Kopie kannte. Und immer ist da noch ein anderer, dessen Leben er lebt und die verwischte Existenz, die er selbst einmal war, bevor er darin aufgehen konnte.

Symbolträchtig führt ihn seine letzte Etappe nach Afrika, als Assistent eines Ethnologen, um die Ethnie eines von Kunzru fiktiv entworfenen Stammes zu erforschen, der sich jedoch den kolonialen Sehnsüchten von Primitivität und Gutmenschentum entzieht. Hier schließt sich der Kreis: Der kühne Aufbruch des Pran Nath wird zu einer Rückkehr in seine unsichtbar gewordene, verleugnete, farbige Haut. Aber diese Rückkehr ist nicht selbstbestimmt, sie wird ihm aufgedrückt, in die Haut eingebrannt - für immer sichtbar. "Die Wandlungen des Pran Nath" ist ein großartiges und böses Märchen zum Thema Identität, Selbstbestimmung und Rassismus.

2011-07-05T01:53:00.058+02:00

A R T I N P R I V A T E S P A C E S III

" der innere Ausländer"

VERNISSAGE: Samstag, den 16. Juli um 19.30 Uhr
1040 Wien, Pressgasse 8-10 / 4
Ina Zeuch zeigt Bilder zum Thema Xenophobie. Die Triebfeder für Xenophobie nannte Sigmund Freud den abgespaltenen, jedem innewohnenden eigenen Anteil an Fremdheit sich selbst gegenüber, den er als ‚inneren Ausländer' bezeichnete.
Das ist nur eine Theorie von Xenophobie, die Herstellung von Identität über ein alter Ego ist eine andere. Viele demografische Theorien tragen xenophobe Züge. Ausgrenzung und Verdammung, moralische Überlegenheitsattitüden und Verschleierung der eigenen Ängste waren immer schon gängige Verhaltensweisen auf Verteilungskämpfe, die mit ungleichen Waffen geführt werden.

Kontakt:
ina.zeuch@googlemail.com
piratenhimmel@googlemail.com

Ist politische Kunst möglich? (4)

2011-05-27T10:22:00.010+02:00

"Amazing Music by Weapons" von zurmatube (2009)

Seltsam berührt und zwischen alle Stühle des Geschmacks geraten fühlt man sich immer wieder, wenn man wie ein Hai durch die Netze schwimmt und hier und da was abfischt, was einen trotz aller Geschmacksfragen nicht kalt lassen will. Als Kunst möchte ich den hier vorgestellten Beitrag nicht diskutieren, aber dennoch aufgreifen, weil man viel mehr mit solchen als mit veredelten Kunstprodukten zu tun hat.

Aber noch ein anderer Grund fällt hier ins Gewicht: alle diese Miniclips, die so zahllos das Netz bevölken sind, bilden eine Art Basis, einen Dünger, dem man möglicherweise so etwas wie Zeitgeist ablauschen kann. Politische Kunst, also Kunst, die sich gemein macht mit den drängenden Fragen und nicht zu entkommenden Widersprüchen der Gegenwart und damit an der Wirklichkeit der Verhältnisse interessiert ist, die global oder randständig, nichtig oder fundamental sein können, basiert auch auf der Suche nach eben diesem Zeitgeist. Viele zeitgenössiche Künstler treiben sich im Netz herum und finden so etwas wie "Amazing Music by Weapons" mit dem Hinweis auf youtube dazu: "this is the original version before battlefield or call of duty the true sound of weapons, amazing music by weapons....really cool ..."

Foto: wiki.taringa -Soldaten in Irak

Waffen werden abgeschossen, von Soldaten wie Zivilisten und in Wiederholungen - der Zwei- Minuten-Clip besteht aus kaum mehr als zehn Bildern - als eine Art Stakkato-RAP gegeneinander geschnitten. Gerade durch seine verharmlosende Ballerei entwickelt das Filmchen etwas unfreiwillig Kritisches, wie ein hängengeblieberner Showdown ohne Spannungskurve: sinnentleert - öde, aber böse. Und vor allem schwer beziehungslos.

Das kulminiert noch in der Steigerung, in der die Schießeisen nicht mehr schießen: ein impotentes Klicken von leergeschossenen Magazinen - eine Art break in Ton und Bild. Da kann jetzt nur noch die Autobombe kommen, die vom letzten Protagonisten des Clips mit diabolischen Grinsen gezündet wird: Eine fröhliche Welt des Tötens und wer zuletzt lacht, hat im richtigen Moment die größere Waffe...really cool ..!

"Amazing Music by Weapons" braucht keinen Überbau und keine heuchlerisch moralische Begründung: Schießen für den Frieden, für Demokratie, Fortschritt und Frauenrechten, das kommt hier nicht vor - simpel aber authentisch.

Ist politische Kunst möglich? (3)

2011-04-24T17:17:00.014+02:00

Ascan Breuer: "Paradise Later" (2010)

Foto: wikimedia "Slumlife" Jakarta, von Jonathan McIntosh (2004)

Ascan Breuer's Film ist eine Art Basismaterial für ein Doku-Feature, wie sie im Fernsehen manchmal zu sehen sind. Ein Flussufer – über und über mit Müll versehrt - wird abgefilmt. Aber nichts wird erläutert, kein 'neutraler' Beobachter, der die Bilder kommentiert und uns erklärt, was wir sehen und welche Fragen hier zu klären sind.

Wer offenen Auges schon einmal in Schwellenländern - hier in Indonesien - gereist ist, ahnt, dass dort die Ärmsten der Armen leben, die später im Film auftauchen: Fischer, die auf vermutlich entsorgten LKW-Schläuchen auf dem Ciliwongfluss paddeln und Müll fischen, diesen durchforsten und wieder verwerten.

Jedes Auftauchen eines Weißen mit westlichem Technikequipment ist hier schon ein tiefer Eingriff in den persönlichen Lebensraum dieser Flussbewohner, die wie alle armen Menschen auf der Welt praktisch so gut wie keine Privatspäre haben - weswegen es viel einfacher ist, Armut als Reichtum zu thematisieren.

Foto: wikimedia "Slumlife"-Jakarta, von Jonathan McIntosh (2004)

An den morastigen Uferböschungen befinden sich ihre Hütten, unweit entfernt ahnt man die Stadt. Aber die Slums, die sich an diesem stinkenden Fluss erstrecken, sind tiefer gelegt, sozusagen im basement des sozialen Gefüges und für einen normalen Flaneur kaum sichtbar. Statt einer Stimme aus dem Off begleitet der Text von Joseph Conrad’s “Herz der Finsternis“ die Bilder.

Diese fundamentale Zivilisationskritik, die ein Handlungsreisender während seiner Reise auf dem Kongofluss entwickelt, beschreibt erst den Anfang des raubkapitalisitischen Kolonialismus. Auf Ascan Breuer’s Flussreise in Jakarta sind wir am Ende – ist es das Ende? - des Turbokapitalismus angekommen, in dem die Regierungen und Eliten der Schwellenländer ihre Lektion längst gelernt haben und die eigene Bevölkerung marginalisieren und sie entlang ethnischer und religiöser Zugehörigkeiten neu selektieren.

Ein solches 'Selektionsprodukt’ zeigt “Paradise Later“: Ein ganzes Leben entfaltet sich hier an den Uferböschungen - ein Mann singt zur Gitarre, vor ihm sitzen Kinder und singen mit, mit Müllsäcken beladene ausgemergelte Menschen, fast noch Jugendliche, aber schon auf dem Weg ins Greisenalter, entleeren die Säcke am Ufer, unten paddeln bedächtig die Müllfischer, eine Gruppe von Jungs winkt enthusiastisch in die Kamera, Kinder planschen in der trüben Brühe. Fühlen sich diese Menschen überhaupt als Opfer?

Foto: wikimedia "Slumlife" Jakarta, von Jonathan McIntosh (2004)

Was diesen Film angenehm aus der Masse des üblichen Betroffenenheitskults hervorhebt, ist die Perspektive von Joseph Conrad’s Romanhelden. Und das ist die des gequälten Europäers – also unsere. Es ist die Perspektive dessen, der weiß und sieht und es nicht zusammen bekommt, warum diese Menschen, die wir so ausbeuten, sich nicht wehren, der verfolgt wird von der Vorstellung, wann dieses Schweigen, diese Kraft der Demut und des Duldens endlich aufbrechen und welche fürchterliche Rache uns dann ereilen wird. Werden wir auf ewig davon kommen?

Denn immer geht es nur um uns, um die Klärung des eigenen Standpunktes, der eigenen Projektionen und Ängste, verpackt in ein Sprechen über den Anderen.

Spontandemos in Hyderabad

2011-03-15T14:29:00.035+01:00

Hyderabad ist die Haupstadt des Bundesstaates Andra Pradhesh und mehrheitlich muslimisch. Das macht sich für mich positiv in der Stimmung bemerkbar. Muslime sind irgendwie nicht so hektisch drauf - oder ist es die Mentalität der 'Andrapradeshis'? Jedenfalls kann man tatsächlich eine Frage zuende führen, dann folgt eine Pause, weil man ja überlegen muss, ob und was man darauf sagt und meistens bekommt man auch eine weiterführende Antwort darauf - sozusagen Kommunikation als sinnmachende, menschliche Tätigkeit. Wow!
Das Hotel Suhail, wo ich hier wohne, ist - wie der Klang des Namens zeigt - ebenfalls muslimisch, was ich mir deshalb ausgesucht habe, um gleich auf der "richtigen" Seite zu sein. Es liegt in einer engen Gasse namens Troop Bazaar. Trotzdem quält sich hier ein zweispuriger Verkehr nebst Fussgängern durch.

Im Troop Bazaar gibt es so Sachen für Männer: Baumaterielien, Zement und Gips in schweren Säcken wie überhaupt das Meiste richtig hard ware ist - Stangen aus Eisen, aus Aluminium, Schläuche, electronicals. Links vom Hotel stapeln sich meterhoch Riesenventilatoren, die einem bei Stufe drei vermutlich das Dach abreissen, wahrscheinlich für grosse Hallen und Kinos gedacht.... dann folgt die Pissmeile (for men only, wie immer), wo rechts und links pissende Männer stehen, an denen man sich je nach Verkehr eng seitlich vorbeiquetschen muss und schließlich der Hinterhof des GPO (General Post Office), wo säckeweise Post ausgeschüttet liegt und sortiert wird, bis man schließlich auf die breite Abids Road stößt, eine sechsspurige Einbahnstrasse den Berg runter (auch Hyderabad ist wie Bangalore auf Hügeln erbaut) und dort brettern mit Karacho - ich weiss nicht wie viele - Buslinien die abschüssige Strasse runter.

Diese fahren auf der rechten Strassenseite, die offensichtlich extra für LKWs und Busse reserviert ist, während die PKWs und Rikshawfutzis alle auf der linken Seite rumnerven. Die Busse halten auch alle auf der rechten Strassenseite, während die Haltestelle sich auf der linken Strassenseite befindet. Das heisst, man muss - um einen dieser Busse besteigen zu können - bei tosendem Verkehr voll auf die Strasse treten, auf die einen natürlich keiner der Mörderautofahrer freiwillig lässt, sprich: warten, bis der Verkehr dies zulässt. Aber bis dahin fährt der Bus meist wieder ab - ohne Fahrgäste! Ich dachte immer, Fahrgäste seien die Hauptsache im öffentlichen Verkehrswesen. Eine gewisse Chance, um als geschundene Hauptfigur des Överkehrs doch noch manchmal einsteigen zu können, besteht, wenn die Fahrgäste im Bus mehrheitlich dort, wo man steht, aussteigen wollen und zudem mehrere - etwa ab drei Personen aufwärts - zusteigen wollen. Dann kommt es - oh Wunder - tatsächlich vor, dass der Fahrer den Bus zur eigentlichen Haltestelle rüberzieht und man ganz normal zusteigen kann.

Bis dahin ist Warten angesagt, bei dem einem ein Bus nach dem anderen vor der Nase wegfährt - oder lustiges Todesspiel mit radikalen Mobilisten als Gegenpart, die man zu Ausweichmanövern zwingen muss, um auf den anfahrenden Bus, der nur mehr symbolisch kurz anhält, aufspringen kann, wenn man das kann. Denn das schaffen nur die Jüngeren, die das mit viel Gegiggel und Gekreisch tun - wahrscheinlich als Übersprungshandlung. Das Adrenalin muss ja irgendwie entweichen.... Bis man also mal drin sitzt und sich wieder so ein normales Fahrgastgefühl einstellen kann, hat man irgendwie ein bisschen was erlebt und einen Eindruck von der Härte des ganz normalen Alltags in Indien dabei gewonnen.

Beim Überqueren der Strasse an Verkehrsknotenpunkten gelten ebenfalls die Mehrheitsverhältnisse. Man bildet eine Art Spontandemo mit dem kurzfristigen Ziel der Strassenueberquerung. Mental skandieren alle: "Wir wollen hier rüber!" und dann schiebt man sich gemeinsam wie ein vielgliedriger, aber kompakter Körper als Rammbock Schritt für Schritt auf die Strasse, um dann immer schneller zu werden, wenn man den Verkehr tatsächlich unter lärmendem Hupkonzert zum Anhalten gezwungen hat. Jegliches Nachlassen an den Rändern dieses Rammbocks führt zum sofortigem Ausbrechen einzelner Autofahrer, meistens Mofa - oder Rikshawfahrer, die diese Lücke nutzen und seitlich an einem vorbeirasen. Ist man drüben angekommen, löst man sich in dem üblichen Gewimmel wieder auf. So eine Art spontane Verknäulung und Entkäulung, das umgekehrte Modell zur DNA.

Warum malt jemand Fernsehen?

2011-02-27T00:44:00.071+01:00

Warum macht sich jemand die Mühe, irgend eine mäßig funktionierende Flimmerkiste in einem indischen Hotel auf Leinwand zu verewigen? Ein Gastbeitrag von Uwe Kerkow zu einer Werkreihe von Ina Zeuch.

Ina Zeuch: "Dharma news", Acryl auf Leinwand, 2010

Die Antwort ist eigentlich vergleichsweise einfach, und sie besteht aus zwei Teilen.

Erstens: Die Ästhetik ist cool

Das Flimmern, Rauschen, Knarzen und Flackern von Bild und Ton aus der Kiste hat großen ästhetischen Reiz, und das ist auch schon seit 50 Jahren Thema moderner Kunst. Allerdings gerät diese Tatsache hierzulande angesichts der tischgroßen, flimmerfreien, hochauflösenden Plasmabildschirme mit 5.2 Dolby Surround Sound nach und nach in Vergessenheit.
Dazu kommt natürlich die saftige, kitschige und unverwechselbare Farbgebung der indischen Film- und Fernsehmacher, die üppige Ausstattung sowie die fantastischen Klamotten und der der fetzige Schmuck.Wenn schon nicht produktionstechnisch, so haben doch das gestalterische Können und die psychologische Raffinesse von "Bollywood" längst Weltklasse erreicht.

Ina Zeuch: "Samsara channel", Acrtyl auf Holz, 2010 (Ausschnitt)

Zweitens: Das Thema Fernsehunterhaltung ist wichtig.

Das klingt erst einmal banal. Das Fernsehen ist zu einer wichtigen Leittechnologie geworden und prägt unser Leben ganz erheblich. In einem deutschen Haushalt läuft die Kiste jeden Tag im Durchschnitt fünf Stunden.

So heftig ist es in Indien noch nicht, wo Lesekundige täglich rund 1,5 h vor der Beule verbringen und eine weitere Stunde Radio hören. Dem stehen 70 Minuten im Netz und etwa die gleiche Zeit des Lesens von Gedrucktem gegenüber. Was die Bedeutung des Fernsehens in Indien aber zusätzlich steigert: Ein Drittel aller InderInnen sind Analphabeten und in der besonders wichtigen Gruppe der 13 - 38 Jährigen immer noch 25 Prozent .

Das allein wäre Grund genug, Bilder zu malen, wie Ina Zeuch sie vorgelegt hat. Auch die Impressionisten z.B. haben sich den neuen technischen Errungenschaften in ihrer Umgebung gewidmet und Häfen, die Eisenbahn, Dampfschiffe oder neuartige Brückenkonstruktionen aus Stahl gemalt. Und auch, wenn diese Bilder uns Heutigen geradezu idyllisch anmuten, spiegeln die Werke die heute kaum noch vorstellbare Beschleunigung der Lebenswirklichkeit ihrer Zeitgenossen wider. Das wird dann deutlich, wenn man sie mit frühneuzeitlichen Arbeiten vergleicht. Wie weit sind etwa Rembrandts niederländische Landschaften von der Auffassung Turners entfernt.

Diese Feststellung führt uns zu der Frage, welche unmerklichen - sozusagen tektonischen - Verschiebungen im menschlichen Leben die hier ausgestellten Bilder wiedergeben. Angesichts der Unterhaltungsprogramme im Fernsehen liegt eine Betrachtung über die Reorganisation der persönlichen Beziehungen nahe.

Ina Zeuch: "Karmadrama", Acryl auf Leinwand, 2010

enn was nach schlichter Fernsehunterhaltung aussieht, ist in Wirklichkeit Zielpunkt und Ergebnis einer stillen Revolution: Die Durchsetzung der romantischen Liebe als hinreichende Begründung für Ehe und Kinder kriegen. Und das in einer Region mit über einer Milliarde Einwohner wo seit Menschengedenken Ehen von Seiten der Eltern oder Familien vereinbart wurden und das Horoskop Auskunft über die Aussichten für die angestrebte Verbindung gab und immer noch gibt. Es gibt mittlerweile sogar zumindest eine Organisation in Indien, die verliebten Paaren zu einem Versteck vor ihren Familien und einer heimlichen Hochzeit verhilft.

Wir Europäer können diesen Modernisierungsschub kaum noch nachempfinden, weil wir selbst es waren, die als erste auf die Idee gekommen sind, dass es ok ist, Menschen zu verheiraten und eine Familie gründen zu lassen, "nur" weil sie sich lieben (und nicht um des Wohlstand, der Sternenkonstellationen oder der Kasten- respektive Standeszugehörigkeit willen). Die Durchsetzung dieses Konzepts hat etwa 150 Jahre gedauert und erfolgte nur unwesentlich früher als der Siegeszug der Dampfmaschine.

Mit der Kolonialisierung haben wir EuropäerInnen die Idee der Liebesheirat in die ganze Welt getragen. Heute besitzt diese Vorstellung den Status eines Menschenrechts. Wie lange aber Sexualität und Familienleben auch bei uns regulierenden Instanzen unterworfen waren, wird deutlich, wenn man sich daran erinnert, dass Homosexualität erst unter Helmut Kohl gänzlich von Strafandrohung befreit wurde (§ 175 StGB).

Vielleicht helfen diese wenigen Gedanken ja dabei, die Bilder noch einmal unter neuen Gesichtspunkten zu betrachten und auf neue Weise Freude an ihnen zu haben und Interesse zu entwickeln.Wer mehr über die Künstlerin wissen möchte, kann auf der Website oder im Blog von Ina Zeuch stöbern.

Begriffserläuterungen:

dharma (Sanskrit "große Ordnung", "Manifestationen der Wirklichkeit") wird das Gesetz und Ergebnis der karmisch bedingten Wiedergeburt genannt

Samsara (Sanskrit „beständiges Wandern“) ist die Bezeichnung für den immer-
währenden Zyklus des Seins, den Kreislauf von Werden und Vergehen und der
Wiedergeburten in den indischen Religionen und im Buddhismus.

Karma (Sanskrit „Wirken, Tat“) bezeichnet das Konzept in Hinduismus und Buddhismus, nachdem die Absichten unserer Handlungen Ergebnisse hervorbringen, die unseren weiteren Weg – nach Tod und Wiedergeburt - bestimmen.

English version:

Why does an artist pick motifs from an Indian blockbuster serial screened on a poorly working TV in an Indian hotel? The answer comes in two parts:

First part: the aesthetics are cool.

Flickering images have always interested visual artist. The décor of Indian films are gorgeous and Bollywood is already famous in the world for its artificial finesse and the dramatic mastery.

Second: the subject of TV entertainment is important and worth to come into paintings - for many reasons. In a German household the TV set runs is five (!) hours per day on average, in India about 1,5 hours per day. Additionally the average Indian spends 70 minutes per day in the internet and 70 more minutes reading print media.

What makes TV even more important in India is the fact that a third of the subcontinents population is illiterate. In the group of 13-38 years old it’s still 25 %. This alone would serve as a sufficient reason to paint pictures like Ina Zeuch has given us.
On top of this, artists have always worked on subject of every day life - including the technical modernization of their time. Impressionists for example have painted steamboats, steel constructions and the railways all of which sped up their life amazingly.

This leads us to the question what TV has shifted in our everyday life. TV serials often talk about love, family relationships, personal and tell private stories. The implementation of the romantic love concept in those stories is nothing less than a silent revolution. Love as a sufficient reason to found families, to marry and have kids together is spreading all over the planet. Arranged marriages - strictly following social affiliation - were common for ages in Europe, too. In India this is still the case: caste and horoscope name the partners. Colonialism and globalization have spread the concept of romantic love throughout the world - to marry and have kids ‘just’ because of love.
In Europe this development took 150 years. Maybe these comments can help to look at Ina Zeuch’s paintings in a different way.

Using keywords of Buddhism - samsara, karma and dharma - for ordinary TV soaps in Indian TV reminds us of the fact that the ideas of Buddhism about the constant stream of confusion come very close to the constant struggle that is depicted in those soaps.

Der Hyperkulturraum: Kritische Töne in der Rezeption zeitgenössicher Kunst

2011-02-10T17:00:00.019+01:00

Der Kunstraum Kreuzberg/Bethanien in Berlin zeigt indonesische zusammen mit deutschen und holländischen Künstlern unter dem Titel "ID – Contemporary Art Indonesia". Bilder davon sind im online-Kunstmagazin Nafas zu sehen. Nafas ist ein gemeinsames Projekt des Instituts für Auslandsbeziehungen (ifa) und Universes in Universe (UiU).

Ein dvarapala Wächter in Singosari, Ost-Java.
"An Antique Idol of the Hindoo Period, Near Malang, Java."
Wikimedia

In ihrem Online-Auftritt lässt die ifa-Galerie diese Ausstellunge von Christina Schott (freie Südostasienkorrespondentin) besprechen.Von ihr stammen auch die Zitate im Text.

Lange Zeit prasselten im Rahmen internationaler Ausstellungen und Projekte eine Reihe von Lieblingsschlagworten wie Mantras auf den Kunstrezipienten ein: zum Beispiel das von der Weltsprache der Kunst oder der interkulturellen Kunst von zeitgenössichen Künstlern, die weltweit von ähnlichen Fragestellungen umgetrieben werden - allen voran von der zentralen Suche nach Identität, gerne auch im Kontext der Globalisierung und ihren sozialen Verwerfungen. Die Künstler, die von solchen Fragen nicht berührt werden und offensichtlich 'einfach nur so' Kunst machen, sind damit irgendwie nicht so zeitgenössiche Künstler und scheinen in einer Art Paralleluniversum zu existieren.

Auch hier wird - schon wegen des Titels der Ausstellung - der Begriff von Identität bemüht. Aber es tauchen hier zum ersten Mal auch erfreulich kritische Töne zum Geschehen des global market in Sachen Kunst auf:

"Als einige fortschrittlichere Kuratoren im Zuge der Globalisierung erkannten, dass zeitgenössische Kunst auch in Ländern wie Indonesien eine Rolle spielt, tauchten immer öfter Werke indonesischer Künstler in europäischen Ausstellungen auf. Dabei handelt es sich jedoch meist um dieselben, international bereits erfolgreichen Künstler. Mit einer solchen Auswahl verbrennt sich kein Kurator die Finger, weil die Werke in der Regel schon an den globalisierten Geschmack der Kunstwelt angepasst sind und somit eher dem westlichen Verständnis entsprechen."

oder:

"Die vielfältigen Kulturformen sollten gleichwertig nebeneinander existieren, ohne sich in ein übergeordnetes System einzufügen, und sprengen somit die Grenzen einer vereinheitlichenden Vorstellung vom multikulturellen Austausch."

Der enorme Überbau, der den Spagat von internationalen Künstlern - deren Nationalität aber oft wie eine Trophäe herausgehoben wird - und die Betonung der Authentizität scheint auf die Dauer doch schwer verdaulich. Vielleicht ist es auch einfach die Ödnis, die sich breit macht, wenn man mit dem ewig gleichen Begriffsapparat in immer als brisant und zeitgenössisch angepriesenenen Kunstshows von mehr oder minder bekannten Künstlern hantieren muss. Künstler, die alle immer gleich gut, aber immer auch kontrovers und kritisch am Puls der Zeit agieren, geradezu in Echtzeit. Statt des aufgeregten Hypes schleicht sich da schon mal ein Déja-vu Gefühl ein. Dem trägt die Ausstellungsbesprechung voll und ganz Rechnung und führt zudem noch den ironischen Begriff des "Hyperkulturaums" ein.

Ist politische Kunst möglich? (2)

2011-01-12T23:57:00.018+01:00

Daniel Richter / Heiko Schäfer
Bilder aus den Wüsteneien der Desintegration

Daniel Richter malt meist großformatige, farbgewaltige Bilder, die auf mystische Weise Perspektiven der "Erniedrigten und Beleidigten" zeigen. Dabei sind die Boatpeople - Flüchtlinge mit nichts als dem nacktem Überleben und dem Entsetzen der entronnenen Strapazen noch im Blick - ein geradezu unverzichtbares Motiv für viele politisch motivierte Künstler.

Genauso brisant sind aber Richter's zahlreiche Bildmotive über die Außenseiter unserer eignenen Gesellschaft. Es sind die Paralleluniversen direkt vor unserer Tür, denen er differenziert und mit großer Verve Ausdruck verleiht. Und es ist seine Leistung, sie uns so fremd zu zeigen wie Navajoindianer in den Glamour- Einkaufsmeilen westlicher Metropolen.

Dabei ist es nicht nur das Kaputte, sondern die Andersartigkeit, das Exotische dieser Wesen, an denen wir mitten in unseren Städten vorüberziehen. Teils wirken die Figuren chimärisch, geisterhaft - wie aus einem außerirdischen Reich - lädierte Engel, die den grölenden, exaltierten Figuren beigesellt sind. Der größte emotionale Gehalt, den Richter dazustellen scheint, ist der Verlust an Menschlichkeit, an dem alle leiden - auch die, die noch dazugehören im rat-race-to death. Dabei gibt es auch Bilder, die wie gemalte Träume wirken, irgendwie wenig modern, aber von derselben Intensität.

Wichtig sind die städtischen Umgebungen, in die er seine komplexen Szenerien stellt. Sie könnten bei uns um die Ecke, vor Aldi, Lidl oder KIK sein, an traurigen Springbrunnen in Mini-Konsummeilen öder Wohngebiete. Etwas von dieser anderen Welt fehlt einem irgendwie - der Welt der Punks, Penner, Möchte-gern-Rockstars, die in spießigen Stadteillkonzerten abrocken - weil man ja selber auch irgendwie leidet. Aber man brüllt es nicht so heraus, während die Kaputtniks imstande sind, dem Leben noch vitalen Ausdruck zu verleihen.

Richter's Kunst ist damit in den meisten seiner Bilder nicht explizit politisch. Es ist vielmehr klammes Unbehagen, das einen befällt, seinen giftigen, oft merkwürdig zerfaserten Farbschlieren nicht unähnlich und so diffus wie der erzwungene Gang durch weihnachtlich vermüllte Innenstädte - selbst wenn man sich längst nichts mehr schenkt. So entsteht mehr die Beschreibung eines sozialen Klimas, eines Verlusts von Vitalität, das offensichtlich nur noch bei den Outcasts nicht in Konsum aufgeht, sondern noch Geheimnisse birgt. (1), (2).

Heiko Schäfer
Fast auf der anderen Seite der Skala - sowohl ästhethisch wie konzeptuell - befindet sich die Fotoserie "Maritime Incidents" von Heiko Schäfer. Darin lichtet der Künstler Flüchtingsboote aus der Vogelsperspektive ab - mit detaillierten Angaben zum Ort, wo das Boot aufgefunden wurde, wie viele Männer und Frauen aus welchen Ländern sich in dem Boot befanden und in welches Lager die Flüchtlinge gebracht wurden. Nüchtern und dokumentarisch entfaltet die Arbeit gerade dadurch ihr emotionales Potential: Die Aufsicht auf die Boote, die den winzigen Innenraum des Bootes wie ein ausgeschnittenes Loch zeigt und die spärlichen Hinterlassenschaften der Menschen geben dem Betrachter genügend Anhaltspunkte, um die Situation vor seinem inneren Auge zu entfalten.

Der Titel "Maritime Incidents" kommt dabei sehr neutral daher - sogar recht unpolitisch, handelt es sich doch mehr um Verzweiflungstaten von Menschen. Auch werden die Boote systematisch abgefangen, konfisziert und die Flüchtlinge immer häufiger zurückgeschickt. Das ist ja kein Regenschauer oder eine zufällig entstandene Situation. Die Zurückhaltung in den Arbeiten verstärkt die Aussage, der Titel dagegen schwächt ab. Hier zieht der Künstler sich hinter einer vermeintlich neutralen Position zurück, während er doch in den Fotos wie in den Angaben zu den Fotos viel politischer wirkt. Obwohl die Abbilder selbst bei einem Künstler immer im Zentum stehen, zählt bei einer so streng dokumentarischen Arbeit alles mit, also auch der Titel.

Stark dagegen ist die symbolische Kraft, die von den Fotos ausgeht: das Boot, schon durch die biblische Arche Noah aufgeladen und dem xenophob-populistischen Slogan "Das Boot ist voll" schmerzlich erneut ins Bewusstsein getreten, zeigt kümmerliche Holzboote - leer, armselig ausgestattet und abgewrackt. Schwerlich lassen sich in ihnen die bedrohlichen "Flüchtingsströme" unterbringen, die so gerne propagiert werden. Diese Boote könnten zum Wahrzeichen und Trauma unserer Zeit werden, die uns daran hindern, zu behaupten, wir hätten mal wieder nichts gewusst.

Ist politische Kunst möglich? (1)

2010-12-12T13:29:00.011+01:00

Marc Boulos und Renzo Martens

Die Videoarbeiten "All that is solid melts into the air" von Marc Boulos und "Enjoy poverty" von Renzo Martens waren auf der letzten Berlin Biennale im Sommer 2010 zu sehen.Sie zeigen zwei äußerst engagierte Künstler, die die Recherchen für ihre Arbeit mit hohem Einsatz und Risiko in zwei wenig attraktiven Ländern entwickelt haben: Marc Boulos in Nigeria, Renzo Martens im Kriegsland DR Kongo. Beide beziehen politisch eindeutig Stellung.

Marc Boulos setzt die Interviews von Menschen und Bildern der alles vergiftenden Gasabfackelung im Nigerdelta mit Bildern von Maklern an der Chicagoer Stocking Börse gegenüber. In diesem filmischen Diptychon sieht man sich der dramatischen Zerstörung von Natur und Lebensraum der dort lebenden Menschen ausgesetzt, die mit schreienden, um Profit heischenden Aktienhändlern an der Börse konterkariert wird. Das Stichwort Profit, wer ihn macht, in welch schwindelnde Höhen dieser Profit emporträgt und wer auf der anderen Seite der Welt niemals eine Entschädigung bekommt - ganz zu schweigen von einem Anteil an diesen immensen Profiten- durchzieht diese Arbeit wie einen roten Faden. Die enorme emotionale Anstrengung, die sowohl den Betroffenen in Nigeria als auch den Börsianern eigen ist, zeigt eine merkwürdige Konvergenz im Ausdruck.

Ähnlich deutlich, aber viel komplexer und weitaus widersprüchlicher zeigt auch Renzo Martens, für wen sein Herz schlägt. Er durchreist den ärmsten und ausgebeutetsten Teil der Rebulik Kongo mit dem Leuchtschriftzug "Enjoy Poverty", den er schließlich unter reger Anteilnahme der Bevölkerung auf ein Gerüst aufbringt und in einem Dorf ohne Elektrizität mittels eines Generators zum Leuchten bringt. Die Menschen feiern dies in einer trunkenen Party wie eine Befreiung, als könnte Armut tatsächlich genießbar werden. Aber man ahnt, dass sie in diesem Moment ein besseres Leben nicht nur erhoffen. Sie halten es sogar für möglich.

In kleinen Lektionen vermittelt Martens den Menschen den Hintergrund seiner zunächst zynisch wirkenden Botschaft "Enjoy Poverty": Ihre Armut dient als eine Ressource, die andere zu Geld machen - einerseits von den Global Players, die Koltan-, Diamanten- und Goldvorkommen mit billiger Arbeitskraft ausbeuten, aber Armut ist auch eine Ressource für die Journalisten - vor allem für die Bildjournalisten - die das Elend der Menschen, die unter schweren Gesundheitsschädigungen und bitterster Armut in den Bergwerken und Minen arbeiten, ablichten und sich damit einen erklecklichen Lebensunterhalt verdienen. Martens geht sogar so weit, drei lokale Fotografen dazu zu bringen, selber sterbende Kinder und ausgezehrte Arbeiter abzulichten, statt ihr Brot mühselig mit Hocheits- und Porträtfotos zu bestreiten. Er versucht sogar, mit ihnen diese Fotos zu verkaufen. Das kann nur scheitern, da die kongolesischen Fotografen das Elend weder marktgerecht - für den Appetit der westlichen Medien - technisch perfekt ins Bild zu setzen verstehen noch ihnen jemals der Zugang zum begehrten Markt zuteil wird.

Und hier kippt die Geschichte: Die Begegnungen mit "Ärzte ohne Grenzen" mit ihren hauseigenen Fotografen oder Weltbankfunktionären sind eine harsche Lektion, die nun auch Martens lernen muss. Die drei Fotografen werden von Martens mit dem bitteren Trost entlassen, dass sie ja weiterhin ihr Auskommen mit Familienfotos bestreiten können, ihre Träume von einem besseren Leben aber nicht in Erfüllung gehen werden. Nur der unglaublich zivilisierten und friedfertigen Haltung der Kongolesen, die Martens in seine Aktivitäten verstrickt hat, ist es zu verdanken, dass dieser schmerzliche Reinfall und das gefährliche Heraufbeschwören von einer gerechteren Welt, in der die Afrikaner nicht die von aller Welt abgelichteten Opfer sind, vergleichweise versöhnlich zu Ende geht. Wehmütig und reichlich verwirrt werden sie von einem Künstler zurück gelassen, der genau wie alle anderen seine eigene Geschichte herausgeholt und es doch anders gemeint hat. Diese Arbeit verleugnet weder ihre Widersprüchen, noch ihr Scheitern und die Ambivalenz, das man wider Willen selber auch nur zu den Arschlöchern gehört.

So sehr Boulos bildgewaltiges Opus aus dem Nigerdelta und Chicago aus einem Guß ist, so viele Brüche weist der Film von Martens auf und ist darum die viel relvantere Arbeit.Kein richtiges Leben im Falschen und nicht Neues unter der Sonne, aber ein beeindruckender Film über eine naive Annäherung eines gar nicht naiven Traumes von Gerechtigkeit.

Essenfassen in Chennai

2010-12-10T11:08:00.021+01:00

Indien ist jetzt computerisiert und vercellphoned und noch viel bürokratischer, als ich es in Erinnerung habe. Um einen Platz in den vollgestopften Internetshops zu bekommen (oft im 2. Stockwerk mit sehr niedriger Decke), muss man seinen Pass vorzeigen und oft sogar ein Formular mit Name, Adresse und Telefonnumer ausfüllen. In einem Shop wurde mein Pass sogar eingezogen, um ihn zu kopieren, Inder müssen ihre ID-Karte abgeben. Unten war der Copyshop, die Kopie zahlt man selber - eine fruchtbare Kombi also. Eine simcard fürs Mobiltelephon ist noch ein Schritt komplizierter, da braucht man noch ein Foto und die letzte Hotelrechnung als Referenz. Ob das seit den Anschlägen von November 2008 in Mumbai so ist, als Überwachung aller Bewegungen, sobald sich jemand elektronisch, mobilmäßig organsiert?

Auf diese Weise kommt auf jeden Fall mächtig Papier zusammen. Gott sei Dank entfällt das bei einem Restaurantbesuch, aber auch da gibts ordentlich Verwaltung. Vorne an sitzt der Kassierer in einer Art offenen Pförtnerloge, schräg gegenüber sitzt an einem einfachen Schreibtisch der Manager. Der hat meist nix zu tun, aber an den kann man sich wenden, wenn was ist und der koffert auch schon mal die anderen zusammen und ordnet Chaos. Dann gibt's die Oberkellner, nachdem einem vorher von jemand anderen - einer offensichtlich kategorielosen Servicekraft - die Menükarte gegeben wurde. Diese nimmt auch die Bestellung entgegen, die er dann an die Unterkellner, die keinen direkten Kontakt mit dem Klienten haben, weitergibt. Das sind zumeist Jungs zwischen 14 und 16 Jahren, einige auch mal grade keine Kinder mehr. Die schaffen auch den eigentlichen Stoff, das Essen ran, was dann wieder vom Oberkellner serviert wird. Dann gibts noch die Abräumtruppe und -in ganz grossen Läden, wo schon mal bis zu 300 Leute in der Stosszeit zwischen 13 und 15 Uhr zusammen kommen - die Nachschublieferer. Die rennen rum und geben von drei Gemüsesorten und einer Sauce kellenweise Nachschub zum Reisgericht.

Das Standardgericht, was praktisch von allen in Abwandlungen gegessen wird und circa zwischen 80 Cent und 1.50 Euro kostet, besteht eben aus sehr viel Reis, hier gerne auch auf einem Bananenblatt serviert und 7 bis 9 Zutaten, das sind Gemüseorten, alle unterschiedlich gewürzt und immer dabei ist eine kleine Schale Joghurt und eine Art Gemüsebrühe und schmeckt fantastisch. Das kann man wirklich jeden Tag essen, was die Inder, die ich in den Restaurants gesehen habe, auch tun.

Opfergaben für den Tempelbesuch

Tamil Nadu ist berühmt für seine vegetarische Küche. Von denen, die in hungrigen Scharen hineinströmen und den Gesättigten, die herausströmen ist da schon ziemlich viel Bewegung in so einem Laden, was ich anfangs mit viel Staunen beobachtet habe und dadurch oft den strikten Zeitplan der ganzen Nahrungslage verpasst habe. Tatsächlich scheine ich die Einzige zu sein, die Zeit hat. Denn ziemlich zügig leert sich der Laden wieder, das Mittagsmenü wird von der Karte gestrichen und kann nicht mehr bestellt werden, kleine Plastikschilder mit "No Service" werden auf ein Drittel der Tische geknallt, auch wenn man da noch sitzt ... klack klack klack macht das auf die Steinplatten und wenn man dann so langsam ist wie ich und so weit entfernt vom Allgemeinwissen um die Dinge, dann sitzt man da mit immer noch leerem Magen, während halb Chennai gesättigt weiterhetzt.

Dann kann man erst mal nur Tee bestellen und Süsskram mit vielen Namen. Der administirative Ablauf bei der Chai-Truppe ist entsprechend gemächlicher - das ist wieder eine ganz andere Szene. Der Kassierer zählt mit Hingabe das eingenommene Lunchgeld, ordnet es in einzelne Häufchen, friemelt Gummibänder drum, streicht nochmal über die Scheine... ach, das schöne viele Geld! Das ist ein Bild, das man oft sieht: Menschen die gedankenverloren und hingebungsvoll Geld zählen.

"Bombay Paradise"

2010-11-26T16:31:00.013+01:00

Fünfhundert enge kleine Behausungen aus Backstein, Holz, Plastik und Blech, wenig Raum für viele Menschen. Vermutlich trennten Kamble [Polizeiermittler in Mumbai] höchstens zwei Generationen von einem solchen Zuhause, aber er schaute mit der Überheblichkeit des Entkommenen, des Emigranten darauf herab. Er war zu anderen Ufern unterwegs, und er mochte es nicht, wenn er wieder zurückmusste. (...)

Hier lebten viele Menschen, und so sah ihr Leben nun einmal aus. Die Bewohner hatten es weiter gebracht, sie hatten die dürftigen Verschläge der Neuankömmlinge, die provisorischen Konstruktionen aus alten Pappkartons hinter sich gelassen. Hier gab es Wasserpumpen und gemauerte Rinnsteine, die meisten Kholis [westindische Kaste von Fischern, Jägern und Räubern] hatten Strom, und Shrimati Veena Mane besaß sogar ein Telefon.

aus “Bombay Paradise“ von Vikram Chandra

"Bombay Paradise" von 2006 entwirft ein heftiges Skript über den hindugläubigen Mafiaboss Gaitonde, dem der bedächtige Sikh Polizist Sartaj Singh aus kleinen Verhältnissen dicht auf den Versen ist. Gaitonde widerum versucht seinem Guru auf die Schliche zu kommen, gegen den er selbst eine kleine Nummer ist.

Der Roman entrollt sich wie ein geschriebener Bollywood Film, von dem es immer mehr politsche Varianten gibt wie zum Beispiel "My Name is Khan", der auf der Berlinale 2010 gezeigt wurde.

Mein Foto aus Chennai (Madras) von 2010 zeigt die in der feuchten Hitze verrottenden Behausungen am offenen Abwasserkanal, gegen die die im Text erwähnten Hütten bereits Luxus sind.

Elend hat viele Stufen und was uns wie ein einziges Elend vorkommt, hat für die, die sich auskennen oder die soziale Fantasie dafür besitzen, eine Ausdifferenzierung, die auf ein mühsames Nach-oben-Kommen verweist.

"in the hood"

2010-11-26T16:14:00.011+01:00

Graffitis aus Bonn und Karlsruhe

Banlieue Blues - Bilder vom improvisierten Leben

2010-05-09T15:12:00.135+02:00


"Banlieue Blues (2)", Acryl/Collage auf Leinwand


"Banlieue Blues" (3), Acryl auf Leinwand


"I'm proud", Acryl auf Leinwand


"Dog/Man", Öl auf Leinwand auf Holz (3-teilig)

"Banlieue Blues" (1), Acryl auf Leinwand


ohne Titel, Acryl auf Leinwand

"Let's play rich", Öl auf Leinwand auf Holz (6-teilig)

"Behind the Glass", Acryl auf Leinwand

Alle Bilder von Ina Zeuch (2007/08)

PAIN !

2010-05-03T01:08:00.006+02:00

Die Stadt als Collage
Fotos, 2009

Wo das Recht auf menschenwürdiges Wohnen und persönliche Sicherheit versagt wird, bietet sich dem streunenden Blick ein äußerst vitales Eigenleben: unter Brücken, an Bahngleisen und ähnlichen Orten. Neben seelenlosen Geschäftsgebäuden entstehen notdürftige Unterkünfte aus Abfällen und Resten - eine zweite Stadt, die Schattenstadt.
Die Fotos der Serie PAIN! sind den urbanen Situationen nachempfunden, wie ich sie auf meinen Reisen gesehen habe: Collagen aus Karton, Fotos und Dreck.

English version:

Ina Zeuch photo works show views of megacities as she experienced them in her travels abroad. Her series, “shelter,” refers to people who live in a transforming collage, where human rights and personal safety don't really exist. However, an extremely vivid life takes place under bridges, next to railway tracks and similar locations. Soulless commercial centers and huge billboards overlap a collage of provisional shelters, cowering in niches left over by rapidly growing cities. Ina Zeuch has incorporated the inevitable creativity of the collage of barracks composed of garbage and leftovers in minimal installations. Afterwards she did photos of these installations: collages of cartons, photos, and dirt.

Friede den Hütten

2010-04-27T15:18:00.004+02:00

Fotos aus Südindien 2010

Portraits aus Indien

2010-04-22T12:52:00.004+02:00

Fotos aus Südindien 2010

Indiaposters

2010-04-21T16:15:00.002+02:00

Fotos aus Südindien 2010

Posters of Cairo

2010-04-11T16:47:00.001+02:00

Riesige Werbetafeln schweben nachts hellerleuchtet über der Stadt Kairo. Die Serie "Posters of Cairo" sind Text-Bild-Fragmente - emotional aufgeladene, aber unverständliche Botschaften, die hier unter anderem auch für das Fremdsein in einer anderen Kultur stehen.
Die von mir fragmentierten Bilder gehen alle auf Werbefotos aus ägyptischen Modemagazinen zurück, die sich teilweise auch als Plakat in der Stadt wiederfanden.

Aus der Serie "Posters of Cairo", Acryl auf Leinwand, 2007